Guy Denning
- Gran Bretaña,1965 –
- Artista gráfico contemporáneo.
-Se formó de manera autodidacta después de haber sido rechazado de diversas escuelas de arte durante los
años 80´s.
- Su trabajo se destaca por el uso de la figura humana fuerte combinando las emociones y su interés político.
- Sus obras pertenece a numerosas e importantes colecciones, incluyendo la de Museo de Arte Moderno de
Bologna y la colección del departamento de Ciencias Políticas de la Universidad de Bristol.
José Luis Cuevas
- Ciudad de México, 1931 –
- Dibujante, pintor, grabador, escultor e ilustrador.
- Su formación artística es prácticamente autodidacta.
- Antes de cumplir los 10 años, Cuevas se inscribió como alumno irregular a la Escuela de
la Esmeralda; continúa su formación artística en el México City College (ahora llamada
Universidad de las Américas Puebla), tomando clases de grabado con Lola Cueto.
- Formó parte de la Generación de la Ruptura, de esa época es célebre su escrito "la cortina
del nopal", historia donde critica que la idea de educar a los pueblos mediante el arte no
había logrado de ninguna manera su cometido.
- Es uno de los más destacados representantes del neofigurativismo.
- En su trabajo destaca el uso de la línea de gran ferocidad gestual, desnuda las almas de
sus personajes retratando la magnificencia de la degradación humana.
- Elabora la escenografía para la obra "La noche de los asesinos" -que en México es
premiada por la crítica especializada-, así como para el "The American Ballet Company" en
Estados Unidos; monta junto con Alfonso Arau y el escritor Carlos Monsiváis el espectáculo
"El Quid" en 1965.
Sandro Boticcelli
- Pintor
- Florencia, 1 de marzo de 1445 - Florencia 17 de mayo de 1510.
- Representante del arte del Quattrocento italiano.
- Su obra se caracteriza por una concepción de la figura como vista en bajorrelieve, pintada con contornos claros, y minimizando los fuertes contrastes de luz y sombra que indicarían formas plenamente modeladas.
- Sus principales obras son El nacimiento de Venus y La primavera.
- La técnica que empleaba era pintura al fresco.
- En Roma decora la Capilla Sixtina, entonces recién construida. En 1481 el papa Sixto IV llamó a varios artistas prominentes, entre ellos a Botticelli, para que pinten frescos en las paredes de la Capilla Sixtina.
Rufino Tamayo
- Oaxaca, 1899 – Ciudad de México, 1991.
- Pintor mexicano.
- Su vocación artística y su inclinación por el dibujo se manifestaron muy pronto en el joven y
su familia nunca pretendió contrariar aquellas tendencias, como era casi de rigor entre los
jóvenes mexicanos que pretendían dedicarse a las artes plásticas.
- Inició su formación profesional y académica ingresando, cuando sólo contaba dieciséis años,
en la Academia de Bellas Artes de San Carlos. Pero su temperamento rebelde y sus
dificultades para aceptar la férrea disciplina que exigía aquella institución le impulsaron a
abandonar enseguida aquellos estudios y, a finales de aquel mismo año, dejó las aulas.
- Paralelamente, Tamayo desempeñó cargos administrativos y se entregó a una tarea
didáctica. En 1921 consiguió la titularidad del Departamento de Dibujo Etnográfico del Museo
Nacional de Arqueología de México, hecho que para algunos críticos fue decisivo en su toma
de conciencia de las fuentes del arte mexicano. En 1932, fue nombrado director del
Departamento de Artes Plásticas de la Secretaría de Educación Pública.
- En 1938 recibió y aceptó una oferta para enseñar en la Dalton School of Art de Nueva York,
ciudad en la que permanecería casi veinte años y que sería decisiva en el proceso artístico
del pintor, definió su inconfundible lenguaje plástico, caracterizado por el rigor estético, la
perfección de la técnica y una imaginación que transfigura los objetos, apoyándose en las
formas de la cultura prehispánica y en el simbolismo del arte precolombino para dar libre
curso a una poderosa inspiración poética que bebe en las fuentes de una lírica visionaria.
- Al iniciarse la década de los años sesenta, Rufino Tamayo regresó a México, “en la
producción de Tamayo sorprende la exquisita disposición de los signos que junto a las
superficies que comparten se disputan a veces la tela; hay en el volumen de su materia,
lentamente forjada en capas superpuestas de color, paulatinamente elaboradas, un colorido
peculiar, suntuoso, fruto de estudiadas y brillantes yuxtaposiciones; el poderoso fluir de sus
orígenes étnicos, la fuerza mestiza que alienta en el arte de México, empapa su paleta con
todas las calidades e intensidad de los azules nocturnos, la palidez de los malvas, el impacto
violento de los púrpura, un espectro de naranjas, rosados, verdes, colores de las más
primigenias civilizaciones que se concretan en símbolos irónicos o indescifrables, fascinantes
para el profano, como los antiguos e inaccesibles jeroglíficos de los templos, como un ritual
insólito y sobrecogedor. Todo cabe en su obra, desde la preocupación cósmica por el destino
humano hasta la vida erótica.”
Alberto Durero
- Nuremberg (Alemania),1471-1528
- Pintor y grabador representante del Renacimiento europeo.
- Aprendió pintura y grabado gracias a su padre que era orfebre y a Michael
Wolgemut, el pintor más destacado de su ciudad natal.
- Como era habitual en la época, al concluir sus estudios realizó un viaje, que lo llevó
a diversas ciudades de Alemania y a Venecia (1494), ciudad a la que regresaría
entre 1505 y 1507 y en la cual recibiría las influencias de Mantegna y Giovanni
Bellini, además de asimilar los principios del humanismo.
- Uno de los rasgos destacados del estilo de Durero, es la minuciosidad la cual es
probable que heredara del oficio paterno.
- Alberto Durero gustó de retratarse a sí mismo desde la temprana edad de trece años y
mantuvo siempre esta costumbre, reflejo del nuevo interés renacentista por el
hombre, y en especial el artista.
- Durero destaca por sus grabados de gran detalle y perfección, principalmente los de
1513-1514, sobre temas imaginativos y que permiten varios niveles interpretativos:
El caballero, la muerte y el diablo, San Jerónimo en su estudio y la triste Melancolía I,
su obra cumbre como grabador, que constituye una compleja alegoría sobre las
dificultades con que tropieza el artista en la realización de su obra creativa.
José Guadalupe Posada
- Aguascalientes, 1852 -Ciudad de México, 1913
- Pintor y caricaturista mexicano
- Dentro de su trabajo destacan las litografías con escenas de muerte, estampas populares
y caricaturas de crítica social y política.
- A los dieciséis años, ingresó en el taller profesional de Trinidad Pedroso, reputado maestro
de quien aprendió los principios, métodos y secretos del arte litográfico. En estos primeros
años de aprendizaje, el joven Posada manifestó una facilidad innata para la caricatura,
de tal modo que su mentor logró introducirle en el mundo del periodismo y de la prensa
gráfica como dibujante, y logró publicar sus primeras viñetas en el periódico El jicote (1871),
cuando el artista acababa de cumplir los diecinueve años.
- Su familia no creía que ser artista fuera lo mejor para él, así que ganó una plaza de
maestro de litografía en la Escuela Preparatoria de León, allí laboró durante cinco años.
- Las graves inundaciones que asolaron León en 1888 le obligaron a trasladarse a Ciudad de
México, donde le hicieron rápidamente ofertas para trabajar en distintas empresas editoriales, entre
ellas la de Irineo Paz. Allí elaboró cientos de grabados para numerosos
periódicos: La Patria Ilustrada, Revista de México, El Ahuizote, Nuevo Siglo, Gil Blas, El hijo
del Ahuizote, etcétera.
- Su nombre cobró una fama inesperada y su cotización se disparó, alcanzando cimas que
pocos meses antes le habrían parecido inimaginables. Esta repentina bonanza económica le
permitió abordar una serie de experimentos gráficos que culminaron con la exitosa utilización
de planchas de cinc, plomo o acero en sus grabados.
- Las ideas de Posada eran de clara índole progresista y, al servicio de éstas, dibujó
caricaturas y bocetos satíricos consagrados, en general, a elaborar una crónica de la vida
mexicana de la época o a poner de relieve los sufrimientos de su pueblo bajo el yugo de los
grandes terratenientes. Las sátiras de los políticos más influyentes de la época le costaron la
cárcel en más de una ocasión. El gran número de encargos que se amontonaban en su taller
le obligó a trabajar una técnica nueva, el grabado al ácido en relieve, mucho más rápida.
Jorge Marin
- Uruapan, Michoacán, 1963-
- Estudió Diseño Gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM y
restauración de arte y curaduría en la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y
Museografía del INAH-SEP.
- En su trayectoria artística ha experimentado con diferentes materiales y técnicas, como la resina, cerámica
y fundición.
- Es el menor de una familia numerosa (que incluye a su colega y hermano Javier Marín).
Hijo de padre arquitecto de quien dice tiene gran influencia
- Marín describe su infancia en Uruapan “como si hubiera vivido en el Macondo de García
Márquez”.
- En los últimos tiempos el bronce ha sido su material más recurrente. En su obra es
frecuente encontrar alas, máscaras, balsas, caballos, centauros, garudas,
niños, madonas, victorias y acróbatas; estos elementos junto con la esfera, la
flecha y la balanza dotan su universo plástico de un juego poético, donde el
equilibrio y la reflexión son ejes primordiales.
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Rivelino
- Escultor, ceramista y dibujante.
- José Rivelino Moreno Valle.
- San José de Gracia, Jalisco, 1973-
- Tuvo una formación autodidacta principalmente, asistió a cursos en la Escuela de Cerámica del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). Paralelamente realizó prácticas en diferentes talleres donde trabajó el barro, la madera, el papel, el algodón, el mármol, el bronce y el acero, y la fundición de éstos metales; además del aprendizaje de la restauración.
- Actualmente trabaja principalmente la instalación e intervención pública para investigar la relación entre el espectador, la obra de arte y el entorno urbano.
http://www.rivelino.com.mx/
- Destaca por sus esculturas abstractas con diferentes materiales tales como concreto, tiza, fibra de vidrio, pigmentos, piedra, fieltro y acero inoxidable
- Pasó los primeros años de su vida en Bombay, después vivió en Israel donde estudió Ingeniería, para después mudarse a Londres a principios de la década de 1970, para estudiar arte, primero en el Hornsey College of Art y más tarde en la Chelsea School of Art Design.
- Al final de los años 80 y a principio de los 90, Kapoor empezó a ser aclamado por sus exploraciones en materia y no materia. Evocó el vacío en obras escultóricas de pie y en instalaciones ambiciosas. La mayoría de sus escultoras parecen retroceder a la distancia, desaparecer en el suelo o distorsionar el espacio a su alrededor.
- Es uno de los artistas contemporáneos más reconocidos e influyentes en el ámbito internacional al haber propuesto nuevas estrategias de producción que involucran al arte con las complejas relaciones entre la sensibilidad y el pensamiento, lo oriental y lo occidental, y no sólo porque una se encuentre supeditada a la otra, sino porque en el acto creativo logra establecer un equilibrio perfecto que deriva en la experiencia estética de su producción.
Rafael Lozano- Hemmer
- Ciudad de México, 1967
- Durante su adolescencia vivió en España. A los 18 años se traslada a Canadá y
luego, en 1993 vuelve a Madrid.
- Actualmente divide su tiempo entre estos dos países.
- Es considerado un artista electrónico, desarrolla instalaciones interactivas a gran
escala en espacios públicos.
- A los 22 años obtiene un Diploma en Química y Física en la Concordia Universidad
de Montreal, Canadá, además de un diplomado en Historia del Arte.
- Rafael Lozano Hemmer trabaja, sobre todo, en espacios públicos. Una obra muy
famosa es “Body movies” (2002), consistió en colocar unos enormes reflectores en
una plaza. Estos reflectores iluminaban un lienzo y en ese lienzo se reflejaban las
siluetas de las personas que iban caminando por la calle.
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Lorena Wolffer
- Activista y artista plástico.
- México, 1971-
- En su carrera ha implementado y desarrollado la temática de género, específicamente los derechos y la voz de la mujer en el arte.
- Co-fundadora y directora del Ex-Teresa Arte Alternativo del Instituto Nacional de Bellas Artes entre 1994 y 1996, fue miembro del consejo Nueva Generación, Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México entre 1998 y 2000, integrante del Consejo Editorial de la sección Cultura del periódico Reforma en 1999, fue asesora de la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM entre 2004 y 2007, fue miembro del Comité de Artes de la Universidad Autónoma Metropolitana entre 2010 y 2012, en el 2013 formó parte del Consejo de Cultura de la UNAM, desde el 2007 ha formado parte del Consejo Consultivo del Museo de Mujeres Artistas Mexicanas (MUMA) y desde el 2015 ha formado parte del Consejo Curatorial de Ex Teresa Arte Actual.
- De lo que más destaca en su obra es recopilar datos e historias verdaderas, para que estos sean expresados en medios menos tradicionales, como lo son la instalación, el performance, etc. y estos al hacerse visibles en el ámbito público, generen una reflexión. Su obra busca provocar a la gente para que haya un cambio en la sociedad.
- En uno sus performance “14 de febrero”, Wolffer entregó dulces a las parejas que veía en la calle, pero estos tenían frases en sus envolturas extraídas de diversos testimonios de mujeres agredidas. De manera que buscaba provocarlos y ver la reacción de cada pareja.
Rivelino
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